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Patafunk

Sun, 23 Nov 2008 14:45:00 +0000

Con más de 10 años en la escena musical, Carlos Eduardo Martínez (CEM) es conocido actualmente como el creador del proyecto Patafunk Dubdelic. Desde sus inicios, CEM ha estado plenamente involucrado en la movida nocturna venezolana. Es DJ de música ecléctica en fiestas y eventos. Ha tocado en bandas como Skama Sweet Selection donde desempeño varios instrumentos entre los cuales destaca el bajo y la guitarra.

Desde el año 2003 trabaja como DJ de radio a través de su programa Patafunk Radio todos los sábados de 10 a 11 de la noche por La Mega. En todos sus proyectos en general, CEM busca promover los sonidos de raíz para que la gente que está haciendo nueva música electrónica pueda nutrirse totalmente.

Patafunk es una cultura basada en música y muchos géneros que dan como resultado un sonido totalmente original. Está influenciado por el disco, reggae, dub, house, jazz y muchos géneros más. La marca le da bastante fuerza a la cultura y al eclecticismo en música orgánico electrónica que representa la identificación principal de Patafunk.

Actualmente, CEM se encuentra promocionando su primer disco llamado Patafunk Dubdelic, el primero del sello Patafunk. En este disco cuenta con las colaboraciones de artistas de la talla de Gustavo Casas y las Soultwins.

¿Cómo definirías tu propuesta musical?

- La propuesta de Patafunk es algo bien ecléctico donde se plantea la fusión de distintos ritmos en la búsqueda de un sonido nuevo. Yo creo que en este momento que estamos viviendo a nivel musical, Patafunk es más un proyecto de fusión de distintos ingredientes, de muchos elementos de varios géneros que sobre todo a mi me gustan y vengo escuchando toda mi vida.
Si eres lo suficientemente ecléctico y objetivo con otros géneros sacaras buenas cosas. También es bueno hacer muchos experimentos, por ejemplo en mi disco toque la mayoría de los instrumentos sin haberlos aprendido en una academia, simplemente los toco hasta sacarle un sonido funky o sabroso a cada uno de ellos.

¿Cómo defines el género Patafunk Dubdelic?

- En mi disco hay muchos géneros o muchos elementos que provienen de varios estilos. Lo que hice fue inventar varios nombres con cierta lógica, al menos para mi, que representaran e identificaran los ingredientes que están en el disco y el sonido que estoy creando.

En el caso de Patafunk Dubdelic, coloque este nombre porque el disco obviamente tiene funk y tiene dub. Pero lo quise poner como un elemento que representara el resultado final de todo el disco, es decir, de todos los ingredientes que lo conforman salió esto: Patafunk Dubdelic. También hay canciones que tienen más ese elemento que otras, por ejemplo la número 12 es la que más tiene ese sonido Patafunk Dubdelic.

¿Cómo te fue con la producción del disco?

- En julio o agosto del año pasado me senté seriamente a comenzar el disco. Ya tenía varias cosas y varias ideas de lo que quería hacer. Por ejemplo, la primera canción del disco, Venezuela, la debo tener quemada en varios CDS con varias versiones hasta que llego a ser la que está en el disco.
Estuve grabando en un mini estudio que tengo en mi casa con varios instrumentos. Ya para el final de la grabación como tal, fui al estudio donde se mezclo y masterizo que es Remoto Studios. Mi idea era ir y grabar un par de baterías para una o dos canciones, pero al final grabe todas las baterías. Y ese es uno de los ingredientes interesantes del disco, que todas las canciones tienen una batería electrónica y una acústica al mismo tiempo. Haciendo que se de ese sonido que yo siempre defino como eclecticismo en música orgánico electrónica.

¿Dónde se puede conseguir el disco y qué precio tiene?

- El disco lo pueden conseguir en las tiendas Esperanto. En Maracaibo está en Sun Music. Al disco le va bastante bien, he pasado por las tiendas y me han dicho que le ha ido muy fino. Sobre todo cuando ellos mismos lo colocan para escucharlo, la gente le pregunta qué es eso y se lo llevan. Eso me tiene súper contento ya que ahorita la gente no compra muchos discos y que compren el mío es finísimo.
Yo antes de sugerir el precio, revise el de varios discos de producción nacional como Maseratti 2 lts. y 3 dueños. Es cierto que son artistas más conocidos, pero me pareció que 35 Bs. F. era un buen precio para un disco venezolano.

¿Quién hizo el arte del disco?

- El arte lo hizo un diseñador que se llama Kco que esta viviendo ahorita en California. Él ha sido el diseñador de Patafunk desde hace años, trabajando en la página y la publicidad.

En el caso del disco, hicimos el arte en conjunto con mi idea y su aporte gráfico. Nos llevamos bastante bien porque yo le puedo decir todo lo que tengo en la cabeza y él siempre sabe plasmarlo en diseño. Quisimos hacer un arte muy a los 60, pero en la era sicodélica donde veías un disco y te perdías porque ves una parte y hay una imagen, luego ves por otro lado y hay otra imagen que no habías visto antes. Y eso fue lo que quisimos expresar en este primer disco. Me pareció que el arte calaba perfecto, súper colorido y un poco gracioso con varios elementos.

¿Cuáles son los planes futuros con el disco?

- Es posible que dentro de un mes y medio hagamos el showcase del disco donde va a tocar la banda Patafunk Dubdelic. Porque quiero llevar el proyecto individual a una banda.

Tenía muchas ideas de hacer un grupo grande o uno pequeño, pero ya decidimos como va a ser la configuración de este grupo. Van a ser dos voces femeninas, va a haber un baterista y yo con teclado, secuencias, guitarra, bajo y en cada canción voy a estar tocando algo distinto ya que las voces y la batería estarán fijas. Yo rotare por varios instrumentos.

¿Qué disco estás escuchando actualmente?

- Ahora mismo estoy escuchando mucho funk de los años 70 y 80, pero escucho muchísima música como punk, reggae, drum and bass, house, soul. Me gusta la música brasilera, el R&B y el hip hop de radio.

Para hablarte de lo que está sonando actualmente, Kanye West me parece un duro. Por Venezuela me parece que Los Mentas tienen muy buena energía. No escucho reggaeton ni vallenato, pero ahora si me topo con un estilo de música que antes no me gustaba trato de buscar algo que me llame la atención para explotarlo. Ahorita estoy esperando con todo el disco de Madonna que está con Timbaland y Justin Timberlake, seguro será finísimo.

¿Cuál es el peor disco que has escuchado últimamente?

- Me parece que Miranda es la fórmula perfecta, pero no me gusta para nada. Me parece un trabajo excelente y muy bien hecho, pero realmente no lo soporto. Yo no critico a la gente que pegó durísimo en radio porque obviamente tienen una fórmula que le gusta a la gente, pero a mi estilo personal no me gusta. Si se me topa por ahí trato de cambiarlo (risas).

¿Qué género nunca tocarías?

- Quiero hacer cualquier experimento, si ya en mi primer disco hay un sabor de reggaeton y vallenato por ahí, quiere decir que estoy dispuesto a hacer muchas cosas. En mi segundo disco quiero tener música clásica, con música celta, con pop y muchos géneros más. Pero lo que sí nunca pudiese hacer es ese pop balada latino, no puedo. Yo soy un tipo súper feliz en la vida y creo que te tienes que levantar y ver un arcoiris con un pajarito para cantar ese tipo de cosas tan pavosas, realmente (risas).

Patafunk Dubdelic ya va a cerrar el ciclo de banda, CD y video. Seguirá con la Radio y en un futuro tal vez venga con algo de ropa para nutrir mucho más la marca Patafunk como tal. Los sencillos de la nueva producción de Patafunk los pueden escuchar en su myspace: www.myspace/patafunkdubdelic.

Rebeldía extinta

Sun, 23 Nov 2008 14:42:00 +0000

Está claro que al momento de componer impera cierto cúmulo de factores importantes; quizás el de más relevancia sea el entorno en el que inmersos están, quienes en condiciones de amateur-aprendiz-profesional-luthier, hilan notas con frecuencia. Partiendo de este punto, sabemos que el hombre, desde su arista melódica, siempre ha tenido material suficiente para componer, desde las sonatas de Mozart y el swing de Benny Goodman hasta el minimalismo de Björk constan de la misma propiedad. Siempre el espacio tanto físico como temporal de los artistas es influyente. La música, entonces, será una fotografía de un mundo exterior a través de vivencias particulares de sus ejecutantes. En respuesta a esto la música ha tomado muchos matices, uno de estos sería forma de protesta y llamado de atención. Los setenta vieron moldear la expresión máxima de rebeldía a mano de cierto grupo de jóvenes, de vagos, de punks.

Este movimiento social que creció bajo el nombre de “punk”, en Gran Bretaña en primera instancia, fue una forma de protesta dura hacia todo lo abarcado por el establishment. Tuvo como cabecera bandas como The Damned, The Ramones, The Clash y quizás una de las más recordadas, The Sex Pistols.

The Sex Pistols es el lugar común del punk, el sitio al que llega cualquier aficionado por adoctrinamiento tácito más que por error. Icono. Esta banda británica formada en 1975 tuvo como integrantes al cantante John Lydon (Johnny Rotten), al bajista Glen Matlock, como guitarrista Steve Jones y en la batería Paul Cook. En 1977 Matlock fue sustituido por Sid Vicious. “Never mind the bollocks” sería su única placa discográfica, por cierto, considerada una de las placas más importantes del movimiento rock. Concluido el punto formal-académico.

El fenómeno punk en ocasiones es erróneamente observado y analizado bajo perspectivas superfluas que extraen sólo la violencia expresa, pero acciones como tocar líricas punzantes en las propias narices de la realeza o mandar a joder, literalmente, a un moderador en horario estelar, no significaban rebeldía sin causa sino ruptura de esquemas. En retrospectiva, Sid Vicious es el abanderado fortuito del movimiento, su vida, que transcurrió en un ambiente familiar inestable lleno de heroína para la venta, caos y música; devengaría en un supuesto homicidio a su novia Nancy Spungen, situación que jamás se esclarecería y que llevan a Sid a juicio, luego a libertad condicional, luego a una sobredosis de heroína aderezada con una nota de suicidio. Todo esto fue cinematográficamente recogido por Alex Cox en su largometraje “Sid and Nancy – love kills” en 1986.

El punk si bien abarcaba todo un estereotipo físico en donde predominaba el cuero como textura y las cadenas con aires sadomasoquistas, representó para los jóvenes de la época un punto de identificación plasmado en violencia en muchos casos desmedida; desde la visual fáctica, resulta absolutamente comprensible su impacto debido a que se encuentra inmerso en una época que destacó por el grado de pureza de sus melodías. En contraste con lo ocurrido en nuestros días, la simpleza y disonancia armónica ya eran símiles de algo. El punk reventó en los oídos de quienes así lo quisieron, y a diferencia de actuales tiempos de reciclaje, no era mezclable, mucho menos con elementos POPulares.

Juanes Humanitario

Sun, 23 Nov 2008 14:40:00 +0000

Como parte de la Gala de las Américas, esta tarde Juanes recibirá el premio humanitario de la Fundación para las Américas, gracias al trabajo que hace con su fundación "Mi Sangre" a favor de las víctimas de las minas terrestres.

La entrega del premio se realizará en la sede de la Organización de Estados Americanos (OEA) y el encargado de otorgar el galardón será el Secretario General de la organización, José Miguel Insulza.

Beto Cuevas, exlider de La Ley, en el Telecorazón

Sun, 23 Nov 2008 14:37:00 +0000

Beto Cuevas será uno de los artistas internacionales que se presentará en la edición de este año del Telecorazón por la vida, que se realizará el fin de semana del 06 y 07 de diciembre. Junto a él se presentarán otros artistas extranjeros como: Chenoa, Cabas, Luis Fonsi, David Bustamante y otros, acompañados por músicos de nuestro país como: Caramelos de Cianuro, Malanga, Papashanty Soundsystem, Desorden Público, Cuarto Poder y Mariana Vega.

Si no quieres perderte la visita de Beto puedes ir buscando tu entrada en las tiendas Esperanto y Recordland del Sambil y Las Mercedes además de www.tuticket.com.

Blink-182 podría reunirse de nuevo

Sun, 23 Nov 2008 14:35:00 +0000

Parece que el impactante accidente de avión que sufrió recientemente Travis Barker, ex-baterista de Blink-182, ha hecho reflexionar a todos los miembros de la banda, ya que Mark Hoppus (bajista, vocalista) y Tommi Delonge (vocalista, guitarrista) han vuelto a hablar después de 5 años, fecha en la cual hicieron su último disco.

Las conversaciones incluyeron la posibilidad de planear una reunión del grupo. Después de la disolución de Blink-182, Hoppus y Barker formaron la agrupación +44, mientras que Tom DeLonge creó Angels &Airwaves.

La reciente y positiva noticia para los ex integrantes de Blink-182, y la cual los hizo reconectar como amigos -luego de 4 años sin hablarse-, es la recuperación completa de Travis, quien estuvo en estado crítico tras estrellarse en el despegue del avión charter, en el que viajaba junto a DJ AM. Cuatro personas murieron en el accidente, incluidas la tripulación del avión.

Bob Dylan tiene su plaza homenaje en Puerto La Cruz

Sun, 23 Nov 2008 14:32:00 +0000

El gobernador del estado Anzoátegui, Tarek William Saab, inauguró esta semana en el Parque Andrés Eloy Blanco de Puerto La Cruz, una plaza en homenaje al músico estadounidense Bob Dylan.

El gobernador dijo que este acto "guarda un simbolismo muy grande, por ser ésta la primera plaza en todo el mundo en honor a un artista tan completo como Bob Dylan, postulado al premio Nobel de Literatura, y quien se ha convertido en un ícono de hombres y mujeres amantes de la poesía y la música", según reseña el diario El Nacional.

William Saab agregó que su gobierno ha sido fiel a los artistas nacionales, y que durante sus cuatro años de gestión "han contado con su apoyo y promoción sin ningún tipo de discriminación". Afirmó que han tomado su labor como ejemplo para su trabajo.

"Normalmente los artistas e intelectuales son marginados sin concederles el protagonismo que les corresponde, por lo cual hemos querido darles la importancia que debe tener cualquier otro profesional en una sociedad, por considerarlos la reserva moral más importante que pueda tener una República. Por ello tenemos la más alta disposición de seguir trabajando por la cultura de este estado y del país".

Bob Dylan, con más de 45 años de trayectoria artística, autor de algunos de los más célebres himnos del rock, como Knockin’ on Heaven’s Door, Like a Rolling Stone, Blowin’ in the wind y The Times They Have a-Changed, ha recibido numerosos reconocimientos a nivel mundial, entre éstos varios premios Oscar y Grammys.

Dylan, recibió hace poco el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2007) y un Premio Pullitzer especial (2008), debido a la cantidad de citas que se hacen a diario de sus letras.

EP digital navideño de The Pretenders

Sun, 23 Nov 2008 14:01:00 +0000

The Pretenders acaba de poner a la venta un EP digital con canciones de Navidad a través de iTunes. El contenido de “The Holiday EP”:

“2000 Miles”
“Blue Christmas”
“I Saw Mommy Kissing Santa Claus”
“Have Yourself A Merry Little Christmas”

Durante el mes de diciembre, el grupo de Chrissie Hynde actuará en Los Angeles, Portland, Seattle y San Francisco. Las entradas ya están agotadas.

The Pretenders publicó hace unas semanas su nuevo álbum de estudio, “Break Up The Concrete”, que para Stephen King es el mejor disco de 2008.

Sun, 23 Nov 2008 13:52:00 +0000

Echoes, Silence, Patience & Grace
Foo Fighters

Echoes, Silence, Patience & Grace (2007, SONY-BMG) es el séptimo disco de los angelinos, producido por Gil Norton (Funeral For a Friend, Pixies, Counting Crows), quien fuese responsable del exitoso The Colour and the Shape (1997). Publicado el pasado 25 de septiembre, Foo Fighters se dedica a reafirmar su sonido y su fórmula de trabajo. Maravillosos riffs de guitarra, inteligentes baterías, intros pausados y tejidos con gran delicadeza dan paso a un éctasis casi histérico.

Este es el caso de “The Pretender”, tema que abre el disco y a la vez es el primer single del mismo, el cual cuenta con una lírica muy bien elaborada y en la que Dave Grohl parece encarar a demonios del pasado, dejando en claro que no tiene que dar explicaciones ni justificarse ante nada ni nadie.

“Let it die” comienza con un sonido acústico que promete ir subiendo en intensidad, para dar paso a un puente lleno de arreglos de guitarra y luego una ligera pausa como preludio al clímax del tema

El segundo sencillo del disco es “Long Road To Ruin”, con un excelente riff de guitarra. Es el típico tema de la banda que con un sonido casi esperanzador y una letra evidentemente política dejan una sensación de melancolía cual tarde de domingo.

“Come Alive” y “Stranger Things Have Happened” bajan la intensidad del disco que se recupera un tanto en “Cheer Up”, “Boys (Your Make Up Is Running)” y “Summer’s End”.

Sin embargo, la novedad llega cuando le toca el turno a “Ballad Of The Beaconsfield Miners” un tema instrumental, el primero en la historia del grupo y en el cual tienen como invitada a la guitarrista Kaki King (nominada a un Globo de Oro por la banda sonora de Into The Wild). Este tema está dedicado a dos mineros que el pasado 25 de abril sufrieron un accidente, quedando atrapados en el yacimiento en el cual trabajan y que durante la dos semanas que llevo el rescate lo único que pidieron fue un iPod con música de Foo Fighters. Dave Grohl les dedicó este tema, los invito a tomar un trago y le regalo entradas para un show. Si bien este tema no aporta nada al álbum representa una novedad.

Quizá uno de los mejores temas del disco es “Statues”, con una línea melódica que de algún modo recuerda a Paul McCartney, en la que el piano, la batería y el acordeón acompañan magistralmente a la voz y a un par de solos de guitarra muy emotivos.

“But, Honestly” es el tema perfecto para los que estén despechados, una calma resignada nos traslada a un final más agresivo, con un riff casi metalero y un coro que a fuerza de repetirse retumba en los oídos.

El disco termina melancólicamente con “Home”, tema que lleva en su letra el verso que da nombre al disco y que deja entrever la madurez como escritor de Grohl el cual parece cerrar alguna etapa de su vida con esta canción.

Ni retroceso ni evolución; este disco no supone nada nuevo en la historia de la banda y refleja un sonido muy similar a In Your Honor, sin embargo no deja de ser un disco maravilloso en cual la sencillez otorga mucha elocuencia y sensibilidad, cosa difícil de encontrar en estos tiempos.

Por ahora nos queda disfrutar de Echoes, Silence, Patience & Grace y esperar el próximo trabajo de la banda que sí deberá encontrar nuevos derroteros para no tornarse en una versión de si misma.

Good Charlotte reúnen en un disco las remezclas de sus éxitos

Sun, 23 Nov 2008 13:36:00 +0000

Se trata de un nuevo álbum de remezclas en el que los estadounidenses versionan sus temas más conocidos, como "The anthem", "Boys and girls" o "Little things".
Tras su último disco de estudio, "Good morning revival" (2007), Good Charlotte ha reunido en "The greatest remixes" quince temas en los que han colaborado profesionales de las remezclas como Patrick Stump, The Game, Metro Station o JNR SNCHZ.
La formación, integrada también por el guitarrista Billy Martin, el bajista Paul Thomas y el batería Dean Butterworth, ha contado además con la colaboración de The White Tie Affair, Dead Execs -con Buba Sparxx- y The Academy Is.

Documental de U2 será preestrenado en el Festival de Cannes

Tue, 10 Apr 2007 19:27:00 +0000

El documental “U2 3D” será preestrenado en la próxima edición del Festival de Cine de Cannes, que comenzará el 16 de mayo. Aunque se espera que la película se estrene en salas de cines 3D de todo el mundo el próximo otoño, “U2 3D” también tendrá un preestreno especial en Estados Unidos esta misma semana.

El documental fue filmado durante la visita de U2 a Suramérica en la gira “Vertigo Tour”. Ha sido dirigido por Catherine Owens (colaboradora habitual en los montajes visuales del grupo irlandés), con la realización adicional de Mark Wellington.

La filmación tuvo lugar durante los siete conciertos que U2 dio en México, Brasil, Chile y Argentina en febrero de 2006. La película fue después postproducida, en 3ality Digital, en Los Angeles. El montaje es de Olivier Wicki; la música ha sido producida por Carl Glanville; el director de fotografía en 3D, Peter Anderson, y el director de fotografía, Tom Krueger.

Por otro lado, Alicia Keys y el cantante de U2, Bono, han grabado juntos una versión del éxito de Peter Gabriel y Kate Bush, “Don't Give Up”, a beneficio de las familias africanas que conviven con el SIDA. La canción está disponible únicamente en iTunes y todo lo que recaude será destinado a la organización benéfica Keep A Child Alive.

Miembros de Arctic Monkeys critican la escena hip-hop actual

Tue, 10 Apr 2007 19:25:00 +0000

Alex Turner y Jamie Cook, vocalista y guitarrista, respectivamente, de los Arctic Monkeys, han criticado la actual escena del hip-hop en unas declaraciones al rotativo "The Sun".

Cook ha señalado: "Hay ciertos géneros que ya no escucho. Está el hip-hop, por ejemplo, que obviamente está en un mal momento. Ya no queda nada del antiguo hip-hop. Podemos hablar de Timbaland, que es un buen productor, pero está metido en todos los temas de ahora. Tendría que haber oportunidades para otros productores y otros beats", señaló.

Alex Turner tampoco se mordió la lengua y criticó el estado del hip-hop asegurando que la escena "está muerta".

Varios grupos versionarán canciones de Sgt. Pepper

Tue, 10 Apr 2007 19:24:00 +0000

Varias bandas de rock interpretarán versiones de los temas del álbum "Sgt. Pepper" de 1967 de Los Beatles, para celebrar su 40 aniversario en un especial en la radio de la BBC, dijo el viernes la emisora.

Oasis, The Killers y Razorlight están entre aquellos que participarán en las sesiones de grabación para el programa Radio 2 de la BBC que se emitirá el 2 de junio, un día después del aniversario.

Otros intérpretes que interpretarán canciones del aclamado disco serán James Morrison, The Fratellis, Travis y los Kaiser Chiefs.

El álbum, cuyo nombre completo es "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band," se publicó en Reino Unido el 1 de junio de 1967.

Cuarto Poder invadió Margarita y prepara nueva producción

Tue, 10 Apr 2007 19:23:00 +0000

La reconocida agrupación de Hip-Hop que ha causado sensación durante los últimos meses gracias al impacto que logró a nivel nacional con su exitoso tema "Arenita Playita" -con 42 semanas en el Record Report-; estuvo recientemente en Margarita en vísperas de Semana Santa, llevando a cabo un par de presentaciones para los miles de temporadistas que vacacionaban en dicha isla.

Allí, el quinteto venezolano compartió tarima con la famosa dupla puertorriqueña conformada por Wisin y Yandel, así como también con las agrupaciones criollas Papashanty Saundsystem y Esamble, en el marco del concierto realizado el pasado sábado 7 de abril en el Canódromo; lugar en donde tuvieron la oportunidad de ofrecerle al público lo mejor de su repertorio, que incluye temas tanto de su primera como su segunda placa discográfica, tituladas "La Real Academia del Flow" y "´Tamos bien", respectivamente.

Mientras tanto, ya podemos saborear un poco de lo nuevo que se trae Cuarto Poder bajo el brazo, a través de su más reciente sencillo titulado "¿Qué es lo que es?". Este tema busca atrapar nuevos seguidores con su fusión de hip-hop y salsa y ya puede ser escuchado a través de su MySpace oficial (http://www.myspace.com/cuartopoderhiphop).

A weekend in the city - Bloc Party

Mon, 09 Apr 2007 15:42:00 +0000

Descripción: La banda liderada por Kele Okelele regresa para sorprendernos con un segundo álbum evidentemente alejado de su debut Silent Alarm. Nada de continuaciones, adiós a la diversión y las baterías veloces que revelaban su pasión por el postpunk. Bloc Party ha marcado su terreno con esta placa, un compendio de canciones nada digeribles y que advierte la promesa de su vocalista en reformar la nueva oleada del british rock que nada tiene que ver con Oasis, Coldplay o Travis.

La carga política se incrementa conscientemente y ataca directamente a quienes tienen las riendas del mundo. Hay críticas directas contra el racismo y la xenofobia ya que Inglaterra luego del 7/7 se ha vuelto más cuidadosa, los inmigrantes han sentido el cambio y cómo no incluir a quienes descendien de Nigerianos (Kele Okelele).

A weekend in the City sin embargo tiene momentos oscuros, intensos, optimistas, refleja parajes de un ciudad intensa y emotiva. Quizás como dicen las primeras líneas que abren el disco “Estoy tratando de ser heróico en una era de modernidad” (I am trying to be heroic, in an age of modernity) - podría ser la misión de esta banda en tiempos inestables, tensos, donde Bloc Party parece buscar un nuevo comienzo musical.

El disco fue producido por Jacknife Lee (U2, Editors, Snow Patrol, Kasabian).

A Favor: El cambio osado en la dirección musical tiene su premio. Su intro “Song For Clay”, similar al muy bien logrado Origin of Simetry de Muse, marcan el camino de este álbum.

Este trabajo es para sentarse a esbozar con placer, atendiendo la madurez de la banda. “Haunting Witches”, -dedicado a la paranoia existente luego de los atentados en Londres-, The Prayer – himno de estadio sobre una base dancefloor y palmas ochentonas de urgencia estimulante-, Uniform –introspectiva, reflexiva y con un arrebato discopunk con riffs sórdidos típicos de la banda-, aún mantienen esa carga musical energética, desfachatada y vertiginosa.

Matt Tong sigue demostrando su habilidad en la batería, aunque la velocidad haya sido sacrificada. Temas como “Sunday”, una de esas canciones para el “ratón” que, aún sumergido en los excesos del día anterior te parece celestial, con su coro: “Te amo en la mañana aunque aún tengas resaca”, se aprecian, aunque normalmente no provoca oír música después de la rumba, pero esta parece ideal.

Por ser un disco maduro como si arrancara desde “This Moder Love” (Silent Alarm), muy parecido al final de una película de Danny Boyle, así se percibe A Weekend in the City. Guitarras armoniosas de la mano de Russel Lissack, riffs urgentes, perforadores y creativos como la nostálgica y atormentada “Where is home”, una critica directa al racismo, dedicada al estudiante Christopher Alaneme asesinado a puñaladas por skinheads en el pueblo de Kent.

La línea del bajo se mantiene firme como su antecesor gracias a la integridad y serenidad de un Gordon Moakes capaz de aferrarse a la idea compositiva original tanto en el disco como en tarima, donde Bloc Party ha tenido sus criticas negativas.

En Contra: Si antes Bloc Party tuvo que vivir con la sombra de Franz Ferdinand o Gang Of Four, esta vez, su idea de canciones de estadios como “Kreuzberg”, “I still remember” o “SXRT”, le acercan a U2 tratando de convencer a la multitud de que la vida te enseña y que podemos cambiar la depresión mientras hacen su transición bajo la influencia de The Cure.

El debut de Bloc Party fue magistral, este disco es bueno, pero jamás como lo fue Silent Alarm, dos historias diferentes donde la banda va a tener que lidiar con esa doble personalidad juguetona, alegre, veloz vs la introspección, reflexión y el síndrome de madurez musical políticamente correcto.

Veredicto: Agudo, amargo, etéreo, oscuro y difícil de digerir, pero placentero cuando le agarras el pulso, así se presenta este Weekend in the City. Es un disco que intenta lidiar con el abuso de drogas, inmigración, las bombas en Londres, el racismo, el modo de vida Black British, la homosexualidad y la crítica a la subcultura juvenil acompañado del sexo casual.

Las guitarras se conservan bajo la necesidad de explicar historias londinenses y cosmopolitas en un marco sonoro alentado por samplers y letras meditabundas. Es una dirección menos complaciente cargada de la intención de germinar el talento compositivo de esta banda, que por supuesto lo tiene.

Hey, ¿dónde están los Paranoias?”

Mon, 09 Apr 2007 15:33:00 +0000

Descripción: El primer larga duración de los Paranoias se tituló como la respuesta a una pregunta, y ahora la segunda obra hace una interrogante: Hey, ¿dónde están Los Paranoias?, la mejor respuesta para saber que ha estado haciendo el trío caraqueño es escuchar los 14 temas que componen este LP.

La sencillez y la nostalgia siguen formando parte de las composiciones, sin embargo un ambiente más oscuro, más sucio, más incomprendido y más inesperado se crea al darle play a temas como: “De este lugar”, “Prescripción”, “Sunburst”, “A pedir cuentas”, que demuestran una influencia probable de bandas como Joy Division, Pixies, Blur, un sonido británico con aroma de bar barato y frío de calle trasladado a la capital venezolana con líricas sencillas, metafóricas, urbanas que intentan contar historias locales con términos globales.

Los Paranoias es una de las pocas bandas que saben tocar rock and roll con personalidad, logrando un sonido que admite públicamente la presencia Beatle, pero que respetando su grandeza, colorean con tonos reinventados los textos del popol vuh del rock and roll.

“Super historias” de forma poco atrevida fue lanzado como promocional, no representa la nueva propuesta del sonido y nivel compositivo que trae la banda, pero si es una tema que puede seguir abriendo puertas. “No lo vas a creer” es la primera verdadera sorpresa, tema estructurado de una forma muy creativa e inesperada, la vocalización no escapa de las normas de afinación y entonación pero sí lanza detalles que muestran otro Luis Irán.

A partir de temas como “Prescripción” comenzamos a asimilar los cambios en el sonido de la banda, “no hay nadie quien pueda” negar que el mundo se cae a pedazos, entre guerras y muerte pero según Los Paranoias siempre “Estas Tú”, preparando el trayecto para temas suaves pero oscuros, que confunden al oído entre melodías felices y tonos tristes como los que viven en “Algo”, “Esta hora puede ser” o “La Luna”, pero para no deprimirnos entre estos temas conseguimos “Solo quedas tu” una canción pop alegre y sincera, “Sunburst” un rock denso y sicodélico. En el disco hay de todo, sin embargo, hace falta un cambio de ambiente radical para contrastar algunos temas y separarlos en sonoridad.

Luego comenzamos “a pedir cuentas”, sintiendo un peso denso en la base de bajo y batería y unos agudos estridentes. El trabajo de composición no se siente sólo en el líder de guitarra y voz, en el bajo hay arreglos vistosos que generan esas frecuencias que no son captadas por el común denominador pero que le dan un valor agregado a las canciones; en el caso de la batería se siente que de forma espontánea se ha compuesto en ensayos y que los tiempos marcados y cambios no son producto de un estudio de grabación, sino de “rocanrolear” en los ensayos, esto hace que el disco sea perfectamente ejecutable en vivo, aún más con el 4to integrante, Kike de los Tomates Fritos, en la guitarra.

“La Ida, el flash y el escarabajo” inevitablementeproduce una interrogante: ¿Qué demonios pensaba el escritor de esta canción, cuando la hizo?. Pareciera que el disco comenzara de nuevo con el tema “Sobre mi” y termina inesperadamente con una balada densa como “Si no esta nunca saldrá” que se mezcla con riffs de “I got a feeling”, ruidos, experimentaciones, demostrando que la escuela Beatle no es del gancho pop mainstream, hay una filosofía intrínseca sobre como ver al mundo y sus sonidos.

A Favor: El primer larga duración fue una meta cometida como banda, y recauda el trabajo musical desde sus comienzos pegando un grito para decir “Aquí están los Paranoias”.

Este segundo trabajo fue ideado como un completo long play, demuestra que manteniendo un equilibrio perfecto entre la música pensada y el feeling, se puede ahorrar décadas de tiempo pero ganarlas en madurez.

“¿Hey donde están los Paranoias?” no deja agujeros o momentos vacíos, pareciera que de una forma natural se cumplió el objetivo del plan maestro.

En Contra: La lírica metafórica de poesía, puede interpretarse de diferentes formas, cuando el artista desea que esto ocurra ha dado en el clavo, pero en muchos casos en el rock and roll hace falta ser un poco mas literal y directo, las letras dejan cabos sueltos, que sólo prestando atención extra y conociendo muy a fondo la banda puede tenerse una idea real de lo que se dice. No hay que ser tan literal como Los Prisioneros, pero tampoco tan sutiles como Silvio Rodríguez.

Veredicto: Siguiendo el camino que han escogido, Los Paranoias están condenados al éxito, siempre y cuando no esperen que éxito equivalga a vender miles de discos, por que el mundo esta al revés, los Paranoias no.

Fall Out Boy - Infinity On High

Mon, 09 Apr 2007 15:27:00 +0000

Fall Out Boy arranca el 2007 con su nuevo disco Infinity On High, el cuarto grabado en estudio y que abre las puertas a una nueva etapa del grupo.

Independientemente de lo que se pueda alabar o criticar de esta producción, estos chicos de los suburbios de Chicago pueden considerar este trabajo un éxito. Debutó en el primer lugar en el Top 200 de Billboard, y actualmente ocupa el 8vo lugar, luego de cinco semanas. Además en sus primeros 7 días en el mercado vendieron 260 mil copias, así que si alguien busca burlarse de este cuarteto, sugiero tomen otro camino, quizás el hecho de que el integrante más alto mide solamente 1 metro y 73 centímetros.

Sin ningún tipo de connotación negativa, este disco puede catalogarse como raro. La participación de Babyface como uno de los productores, Jay-z con sus palabras, dirigidas a los críticos de la banda, al inicio de Thriller, el tema que abre el disco, y la gran variedad a nivel de arreglos musicales, hacen este disco difícil de digerir las primeras veces que se escucha. Lo que si se mantiene en el fondo es ese punk melódico y en parte melancólico que ha sido el estandarte de la banda desde sus inicios. No llega a ser My Chemical Romance ni 30 Seconds to Mars en cuanto a los tan temidos niveles “emosisticos”, pero se acerca.

El primer sencillo se titula “This ain´t a scene, It’s an arms race” y es de los más comerciales, junto a “The Take Over”, "The Brakes Over" y "Don’t You Know Who I Think I Am”. Estos son la declaración de la banda a querer llegar a mayores masas y abarcar mayor cantidad de medios de comunicación. “Hum Hallelujah” es muy interesante por sus contrastes rítmicos, además de un gran intermedio con coros religiosos cantando “Aleluya, Aleluya”. “The Carpal Tunnel Of Love" y "Fame Infamy” llaman la atención por sus agresivas guitarras distorsionadas y como estas comparten espacio con líneas más melódicas y delicadas.

“Bang The Doldrums” parece haber sido compuesta luego de escuchar el álbum “American Idiot” de Green Day, banda que según los integrantes de FOB ha sido de sus principales influencias. “Goleen” parece ser el tipo de canción que tienen todos los discos de bandas que cantan sobre sus problemas existenciales (para no decir emo), voz y piano son suficientes para cubrir los 2 minutos y medio de balada que requiere todo disco. Pero la gran destacada es “Thriller”; tremenda canción para comenzar un disco, guitarras fuertes, coros pegajosos y descansos en los que solo quedan voz y guitarras, una marca que seguro se encuentra en el manual de estilo de la banda; todo esto además de contar con la introducción de Jay-Z.

La composición y los arreglos demuestran una madurez y una búsqueda por abarcar nuevos territorios, aunque el estilo sigue siendo el mismo, en especial el del cantante y guitarrista Patrick Stump, que no se arriesga mucho y muestra su faceta original, la que lo ha llevado al lugar que esta.

Fall Out Boy, o El Chico Fusión en español (en honor al compañero del Hombre Radioactivo, superhéroe de Los Simpsons) inició el 2007 con cambios que han sido muy digeribles. Todavía uno puede decir a primer oído “eso es Fall Out Boy”, aún no hay grupos de fanáticos gritándoles ¡vendidos! O ¡traidores! Por el contrario, parece una banda que cada día es más banda, ya todo el peso a nivel de composición no está sobre el bajista Pete Wenz, todos aportan y colaboran en este grupo de muchachos bajitos que en 6 años se han convertido en súper estrellas.

Gustavo Cerati

Mon, 09 Apr 2007 15:26:00 +0000

La mayoría de las personas conoce de la trayectoria musical de Gustavo Cerati. Un músico argentino que inició su carrera bajo las filas de Soda Stereo. Esta banda se formó en 1982 y no es hasta 1984 cuando graban su primera producción discográfica, “Soda Stereo”. El 1ero de mayo de 1997 la banda anunció su separación, la cual se consolidó con una gira que finalizó el 20 de septiembre en Buenos Aires.

La separación de la agrupación dio como resultado el lanzamiento de Cerati, dos años más tarde. En 1999, publicó su primer trabajo en solitario titulado “Bocanada”, disco que tuvo gran aceptación, tanto en el público como en la crítica. Luego vino la publicación de sus trabajos “11 Episodios Sinfónicos” (2001), “Siempre es Hoy” (2003), “Reversiones de Siempre es Hoy” (2003), “Canciones Elegidas 93-04” (2004) y “Ahí Vamos” (2006).

“Ahí Vamos”, trae consigo una gira que se inició el 1ero de junio en el Auditorio Nacional de México y ha pasado por ciudades como: Aguascalientes, Monterrey, Guadalajara, Bueno Aires, Santa Fe, Córdoba, Mendoza, Montevideo, San Juan de Puerto Rico, New York, Los Ángeles, Atlanta, Miami, Washington, Chicago, Barcelona, Lima, Madrid, Londres, entre otras.

Gustavo Cerati visitará Caracas el próximo 23 de noviembre y se presentará en el Anfiteatro del Centro Sambil. Por esta visita, conversamos vía telefónica con él y aquí te dejamos lo que nos contó.

Luego de la desaparición de Soda Stereo, ¿qué fue lo más difícil al iniciar tu carrera en solitario?, ¿en algún momento dudaste de lo que podía venir?

En principio sabía que la cosa no iba a ser fácil, porque ya yo estaba instalado con un grupo de gente. Durante 15 años estuvimos tocando por todo el continente, entonces es natural que uno tenga cierta resistencia a la idea de la desaparición del grupo. Pero por otro lado, el contar con ese pasado me permitió no tener que empezar de cero; quizás lo que más necesitaba era separarme un poco a nivel de imagen, sonar adelante. Mis primeros discos, luego de la separación, han tenido una diferencia muy importante, con el sonido, que a lo mejor, yo mismo también inspiraba en cuanto a Soda Stereo.

De todas tus producciones en solitario, ¿cuál ha sido la que más te ha dejado satisfecho a nivel de producción, mezcla y feedback con el público?

Bueno, la verdad es que soy un eterno insatisfecho. Si bien disfruto mucho el proceso de grabación y como quedan los discos, soy muy crítico; no permito que las cosas salgan si no estoy convencido de ellas. En todos los disco llevo bastante disfrute, quizás en este ultimo me pareció que fui como más consciente de disfrutarlo y el resultado fue un disco más simple, más orgánico, más rockero. Me permitió como una satisfacción más inmediata y es lo que estoy viendo ahora en vivo. Pero sigo pensando que tengo que hacer un disco mejor.

Háblame un poco de la producción del primer álbum, “Bocanada”

“Bocana” es un disco que lo hice de una manera un poco más de laboratorio, en mi propio estudio en casa, con una especie de relax bien particular. Si bien sabia que me estaba echando mi territorio como solista, me lo tome tranquilamente. No corrí tras la separación de Soda Stereo a hacer un disco. Construí las canciones de una manera casi artesanal, con mucho trabajo con los sampler, prácticamente solo, bueno lo hice con amigos músicos, pero en general toqué casi todos los instrumentos. Para tocarlos en vivo tuve que armar una banda. El disco tuvo esa cosa más bien intima de producción y lo considero como una especie de collage muy grande. Hubo momentos muy especiales, como ir a Londres a grabar y pasar de un ambiente muy chiquito, como es mi casa, a un tremendo estudios como Abbey Road, donde han grabado un montón de músicos clásicos.

¿Las personas que te acompañaron en la elaboración de este álbum son los mismos que te acompañaron en la gira?

En general, la gente que participa en el álbum termina tocando conmigo de alguna manera, no es extensiva a todos pero en gran parte es así. En esa época el baterista era Martin Carrizo, Fernando Nalé el bajista, y es bajista hasta ahora, era básicamente una formación creada a partir de ciertas cuadraciones del disco. Pero el caso de “Bocanada”, fue un disco muy poco tocado por una banda, en general estaba todo ya listo y lo que hacía era más bien una interpretación de ello.

¿Qué tratas de explicar o plasmar en tus canciones? ¿en qué te inspiras para hacerlo?

A veces parto de cosas que son muy vagas y a veces de algo especifico, eso es un poco lo que me pasa habitualmente. Otras veces es una emoción particular que quiero desarrollar o alguna historia entre comillas. En general me pasa que la misma música que me sale muy naturalmente y que ya me siento bastante prolífico haciendo música. La letra sale del estado anímico que la música me dice, más allá de que yo esté en ese estado anímico. Si la música tiene un aspecto melancólico es muy probable que la letra oscile como contraste u oscile por ese lado. Mucha gente comete el error de creer que uno está en ese estado necesariamente para componer. La verdad es que uno debe fabricarse con imaginación los estados, porque es la única manera de tener variaciones, por más que uno esté claro que en un día uno pasa por muchos estados, alegría, euforia, tristeza. Yo trato de representar eso en el disco, en las canciones.

Como artista, compositor y productor ¿qué sientes al recibir buenas críticas de tus álbumes en solitario, al igual que reconocimientos en el mundo de la música?

Siempre es bueno que te piropeen, que uno sienta ese reconocimiento. Pero también lo tomo con pinza, porque una mala crítica puede ser muy mala si uno se lo toma tan apecho. No me creo demasiado ni una cosa ni la otra, pienso que no hay nadie más critico que yo mismo, no necesito que nadie me lo diga. Pero bueno, a veces sirve tener críticas, ya sean positivas o negativas. No importa, es bueno tenerla porque es una forma de encontrarse con la realidad, con otra opinión.

¿Cuales son tus influencias musicales, las que has plasmado, bien sea con Soda Stereo o ahora en estos últimos años en solitario?

Mi influencia es bastante contemporánea en lo que hago; soy una persona que le gusta escuchar música actual. Me gusta estar actualizado y no porque tenga un aspecto periodístico dentro de lo mío, sólo que siempre me ha gustado escuchar lo que se esta haciendo y me interesa saber hasta donde ha llegado mi música, aunque eso es relativo, hay cosas que funcionan y otras que no. Yo considero la música como un hecho dinámico, parte de la cultura del hombre, de la manera en que se expresa. Necesito ver que está ocurriendo en general. Este disco, por ejemplo, de una manera intentaba hacer algo bastante clásico, en cuanto a estructura, canciones. Me refiero a cosas clásicas como: Queen, Led Zepellin o Police, grupos que son muy clásicos y que se han convertido en eso con el tiempo. Yo creo que mi disco es sencillo y quería que fuera así.

En tu carrera en solitario has experimentado con la electrónica, ¿cómo incluye este elemento en tus canciones?

Con el tiempo he llegado a familiarizarme a trabajar de una manera muy similar, bien sea como puedo hacerlo con una guitarra, a hacerlo con una computadora o con otros instrumentos. De hecho, hay varias canciones que fueron construidas con una laptop. Así que es curioso como a veces uno se da cuenta que la creatividad pasa por un estado mucho más mental y emocional, que por la cuestión práctica de hacerlo con un instrumento o con otro. Es que todo está ceñido a la electrónica, porque si no la usarás como sonido, la usarás en lo que tiene que ver con la grabación o con la edición. La presencia de la electrónica es continua. En este disco pretendí que no fuera parte del paisaje esa es la diferencia.

Tu más reciente álbum “Ahí Vamos” alcanzó galardón de platino antes de salir al mercado, ¿puedes hablarnos un poco de esto? Tú como artista, como productor, ¿cómo te sentiste al enterarte que antes de ir al mercado ya estabas recibiendo este premio?

Por un lado, yo creo que ese merito es de uno en particular, ya que considero que este disco ha pegado más fuerte en la gente que otros de los que he hecho. Por otro lado, pienso que es el resultado de todo lo que venia haciendo. De alguna manera la expectativa de la gente se fue alimentando de todos mis discos anteriores, de shows y todo eso. Como que se consiguió el estado cosmogónico con mi creatividad, con lo que quise decir, eso es algo que uno no puede forzar. Uno está haciendo un disco fantástico pero si la gente no está dispuesta a recibirlo va a ser difícil que se sepa eso. Acá han ocurrido ambas cosas, más allá de las variaciones que yo tenga sobre el disco, pienso que la gente respondió porque estaba de alguna manera esperándolo.

Muchos consideran que en este material juegas o digamos que se nota más el sonido de la guitarra, ¿cuál es la diferencia de este disco y los anteriores, hablando específicamente de la guitarra?

A mi me parece que de “Bocanada”, donde la forma de trabajo fue más íntima, más de collage, de laboratorio, de usar el estudio como un instrumento, pasé a recuperar la idea del trabajo más en banda, ya más social y musical. “Siempre es Hoy” tiene un poco más de eso, aunque piense que es un disco mucho más disperso, tiene más elementos, mucha cantidad de temas y elementos de muchas cosas. “Ahí Vamos”, siguiendo esta tendencia, tiene un sonido más directo. Logré un disco más conciso, más concreto. Entonces pienso que es parte de una evolución, de un camino. Lo veo así, como una cosa demasiado aislada.

Quienes participan en este material?

En este disco hay 5 bateristas diferentes, hay coros. Pero básicamente los que tocamos en vivo son Fernando Samalea en batería, Richard Coleman en guitarra, Fernando Nalé en bajo y Leandro Fresco en teclados. Todo fueron con los que más trabajé a lo largo del disco.

¿Qué tal la experiencia de trabajar con el ingeniero de sonido venezolano Héctor Castillo, en la producción de “Ahí Vamos”?

La verdad, sinceramente y él lo sabe, es el ingeniero de sonido con quien mejor me he llevado y he sentido las mayores satisfacciones. Te digo sinceramente que me gustaría seguir trabajando con Héctor, porque nos entendemos de las mil maravillas. Tiene lo bueno de ambos mundos. Primero, el estar trabajando en las grandes ligas en New York y segundo que tiene el pasado de un músico de Latinoamérica y conoce bastante mi trayectoria. Entonces se unieron varias cosas, pero sobre todo su capacidad. Además, es un excelente músico, lo que nos lleva a trabajar increíblemente bien, más que un ingeniero de sonido, es un amigo.

¿Consideras que hay algún parecido entre el disco de Soda Stereo “Canción Animal” y tu álbum “Ahí Vamos”?

Quizás “Canción Animal” pueda representar el disco más rockero que hizo Soda Stereo, es un clásico del rock. Ahí te encuentras con temas como “En el séptimo día”, con una idea más rockera de mi carrera. En “Ahí Vamos” también hay algo de eso, así que podría ser como un cierto parecido. Pero la verdad es que pasaron 15 años entre una cosa y la otra.

¿Cómo ha sido la receptividad de la gira “Ahí Vamos”?

Como te he dicho, pienso que es el momento más arriba que he tenido hasta ahora como solista. He ido a México, Colombia, Argentina, Chile, Perú y acabo de venir de un gira por Europa. De hecho, era la primera que tocaba en Londres y fue muy exitoso, al igual que en España.

¿Podrías ampliarnos cómo fue esa experiencia en Londres?

Bueno fue un poco como tocar con las manos. Puedes imaginarte para un músico como yo, la música inglesa ha sido una gran influencia. Así que tocar en el lugar que ha sido el origen de tantas bandas, encima tocar en un lugar legendario con The Forum y además como plus que haya sido un éxito. Tuvimos mucha convocatoria, fue un buen negocio para la gente que lo hizo. Por otro lado, es la primera vez que pasa algo así con un músico argentino, la verdad que me siento muy bien con esto.

¿Qué fue lo más difícil con la producción de este nuevo disco?

Siempre para mi lo mas difícil, bueno no difícil, más bien molesto y poco creativo, tiene que ver con la misma computadora, el famoso cuello de la computadora. Es bastante insoportable el sistema. Todavía pienso que son máquinas bastante taradas y tontas. Pero en general ha sido un disco muy disfrutable, la presencia de Tweety González en la producción. Todo tuvo un clima muy bueno, creo que uno de los pocos que más he disfrutado hacer.

EL ARTE DEL ENTRETENIMIENTO

Mon, 09 Apr 2007 15:24:00 +0000

En esta época no hay nada más difícil que encontrar un entretenimiento gratuito. Ir a un concierto, a comer helados con tu novia o a un juego de béisbol con tus amigos, supone gastar sumas estrambóticas de dinero. Ni siquiera ver televisión (televisión de verdad) en casa es gratis. Miren Uds. lo que cuesta al mes mantener el cable, y conste que soy de los que cree que la banda ancha es un artículo de primera necesidad en vista de que nos mantiene conectados con el mundo. Pero dejemos la digresión y volvamos a lo que nos ocupa, que es la imposibilidad de encontrar en esta época rara e intensa una manera de entretenernos que no cueste tanta plata.

Si queremos ir al cine, tenemos que soportar una cola para pagar las entradas que valen una fortuna; otra para comprar las cotufas que también producen la ruina de cualquier ser humano, y otra para entrar a la sala, donde nunca hay dos puestos contiguos, de manera que tú te tienes que sentar, por lo menos, a seis metros de tu novia… Y, claro, a esta relación de eventos fascinantes, habría que añadir la cola para salir del estacionamiento, cuyo precio está regulado por las autoridades competentes, lo cual no tiene la menor importancia luego de haber gastado tanto dinero en todo lo demás.

Quizás habría que definir mejor las cosas y tratar de verlas de otra manera para no amargarnos. Tal vez no debamos esperar que aquello que nos entretiene sea gratuito, pero sí que tenga un precio justo porque una vida sin tiempo libre, no vale mucho la pena. Nada peor que privarse del divertimento porque la imaginación y la alegría de vivir, se atrofian y se transforman en amargura. Hay gente seca que «vive» como zombi al no haber encontrado aquello que la entretiene, aquello que la saca de su realidad y la mete en otra más interesante. Por eso, aunque el dinero no abunde, hay que invertir en entretenerse.

Las mujeres, que siempre han sido expertas en el arte de hacer rendir el dinero, han inventado varias fórmulas para divertirse sin gastar demasiado. Vean Uds. que no hay nada más entretenido para una dama que ir a la peluquería y enterarse de la vida de su peluquera, de la muchacha que le hace las uñas o de la señora cuyo peinado parece un casco. Una peluquería es un universo con todo y sus sistemas solares, sus agujeros negros, sus super novas (hay señoras que parecen constelaciones), sus cometas y sus asteroides; por eso son tan entretenidas y por eso a las mujeres les gusta tanto la astrología…

En el mundo masculino no hay nada que siquiera se le acerque a la peluquería. Del bar, por lo general, los caballeros salimos viendo doble y más tristes que antes de haber entrado. Eso sin contar con que nos vamos con las alforjas vacías… Por eso quiero ofrecerles mi consejo a aquellos que no saben cómo acabar con el aburrimiento que los corroe y que se suma a la montaña de responsabilidades que tiene todo hombre que se respete.

Lean bien: si no hallan qué hacer con sus vidas, hagan como mi amigo Joaquín Ortega y métanse en un supermercado a escoger tomates; obsérvenlos, pálpenlos y cuando hayan guardado los mejores en una bolsa, déjenlos ahí, no importa. Lo que de verdad interesa es que Ud. haya pasado un rato pensando sólo en los tomates y no en sus problemas. También puede meterse en un autolavado de ésos donde hay una máquina automática en el que te permiten permanecer dentro del carro mientras lo están lavando… Cuando estés ahí dentro, observa los dibujos que forma la espuma del jabón en los vidrios, oye el ruido de los chorros de agua que golpean la carrocería de tu automóvil… ¿No son una belleza?

Si esos consejos no son de tu agrado, puedes irte a una tienda de animales a ver las peceras… También puedes invitar a tu novia al cine, pero ya sabes lo que te espera.

Rebeldía extinta

Mon, 09 Apr 2007 15:23:00 +0000

Noel Gallagher asegura que la música británica es la mejor

Mon, 09 Apr 2007 15:21:00 +0000

El hermano mayor de los Gallagher ha elogiado la música que se hace en su país y no ha tenido reparos en asegurar: "No me imagino la música pop sin el Reino Unido. Es bonito ver cómo aquí siempre se ha hecho la mejor música de guitarras".

Noel también ha destacado la escena british actual al señalar algunas de sus bandas preferidas: "Me gustan Arctic Monkeys, Kasabian... Klaxons tienen buenos singles, The Babyshambles también...".

El guitarrista de Oasis, asimismo, ha destacado: "No sólo hay buenas bandas de guitarras, también están grupos como Hot Chip, de música más electrónica, que suenan muy bien".