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La mayoría de las personas conoce de la trayectoria musical de Gustavo Cerati. Un músico argentino que inició su carrera bajo las filas de Soda Stereo. Esta banda se formó en 1982 y no es hasta 1984 cuando graban su primera producción discográfica, “Soda Stereo”. El 1ero de mayo de 1997 la banda anunció su separación, la cual se consolidó con una gira que finalizó el 20 de septiembre en Buenos Aires.

La separación de la agrupación dio como resultado el lanzamiento de Cerati, dos años más tarde. En 1999, publicó su primer trabajo en solitario titulado “Bocanada”, disco que tuvo gran aceptación, tanto en el público como en la crítica. Luego vino la publicación de sus trabajos “11 Episodios Sinfónicos” (2001), “Siempre es Hoy” (2003), “Reversiones de Siempre es Hoy” (2003), “Canciones Elegidas 93-04” (2004) y “Ahí Vamos” (2006).

“Ahí Vamos”, trae consigo una gira que se inició el 1ero de junio en el Auditorio Nacional de México y ha pasado por ciudades como: Aguascalientes, Monterrey, Guadalajara, Bueno Aires, Santa Fe, Córdoba, Mendoza, Montevideo, San Juan de Puerto Rico, New York, Los Ángeles, Atlanta, Miami, Washington, Chicago, Barcelona, Lima, Madrid, Londres, entre otras.

Gustavo Cerati visitará Caracas el próximo 23 de noviembre y se presentará en el Anfiteatro del Centro Sambil. Por esta visita, conversamos vía telefónica con él y aquí te dejamos lo que nos contó.

Luego de la desaparición de Soda Stereo, ¿qué fue lo más difícil al iniciar tu carrera en solitario?, ¿en algún momento dudaste de lo que podía venir?

En principio sabía que la cosa no iba a ser fácil, porque ya yo estaba instalado con un grupo de gente. Durante 15 años estuvimos tocando por todo el continente, entonces es natural que uno tenga cierta resistencia a la idea de la desaparición del grupo. Pero por otro lado, el contar con ese pasado me permitió no tener que empezar de cero; quizás lo que más necesitaba era separarme un poco a nivel de imagen, sonar adelante. Mis primeros discos, luego de la separación, han tenido una diferencia muy importante, con el sonido, que a lo mejor, yo mismo también inspiraba en cuanto a Soda Stereo.


De todas tus producciones en solitario, ¿cuál ha sido la que más te ha dejado satisfecho a nivel de producción, mezcla y feedback con el público?

Bueno, la verdad es que soy un eterno insatisfecho. Si bien disfruto mucho el proceso de grabación y como quedan los discos, soy muy crítico; no permito que las cosas salgan si no estoy convencido de ellas. En todos los disco llevo bastante disfrute, quizás en este ultimo me pareció que fui como más consciente de disfrutarlo y el resultado fue un disco más simple, más orgánico, más rockero. Me permitió como una satisfacción más inmediata y es lo que estoy viendo ahora en vivo. Pero sigo pensando que tengo que hacer un disco mejor.


Háblame un poco de la producción del primer álbum, “Bocanada”

“Bocana” es un disco que lo hice de una manera un poco más de laboratorio, en mi propio estudio en casa, con una especie de relax bien particular. Si bien sabia que me estaba echando mi territorio como solista, me lo tome tranquilamente. No corrí tras la separación de Soda Stereo a hacer un disco. Construí las canciones de una manera casi artesanal, con mucho trabajo con los sampler, prácticamente solo, bueno lo hice con amigos músicos, pero en general toqué casi todos los instrumentos. Para tocarlos en vivo tuve que armar una banda. El disco tuvo esa cosa más bien intima de producción y lo considero como una especie de collage muy grande. Hubo momentos muy especiales, como ir a Londres a grabar y pasar de un ambiente muy chiquito, como es mi casa, a un tremendo estudios como Abbey Road, donde han grabado un montón de músicos clásicos.


¿Las personas que te acompañaron en la elaboración de este álbum son los mismos que te acompañaron en la gira?

En general, la gente que participa en el álbum termina tocando conmigo de alguna manera, no es extensiva a todos pero en gran parte es así. En esa época el baterista era Martin Carrizo, Fernando Nalé el bajista, y es bajista hasta ahora, era básicamente una formación creada a partir de ciertas cuadraciones del disco. Pero el caso de “Bocanada”, fue un disco muy poco tocado por una banda, en general estaba todo ya listo y lo que hacía era más bien una interpretación de ello.


¿Qué tratas de explicar o plasmar en tus canciones? ¿en qué te inspiras para hacerlo?

A veces parto de cosas que son muy vagas y a veces de algo especifico, eso es un poco lo que me pasa habitualmente. Otras veces es una emoción particular que quiero desarrollar o alguna historia entre comillas. En general me pasa que la misma música que me sale muy naturalmente y que ya me siento bastante prolífico haciendo música. La letra sale del estado anímico que la música me dice, más allá de que yo esté en ese estado anímico. Si la música tiene un aspecto melancólico es muy probable que la letra oscile como contraste u oscile por ese lado. Mucha gente comete el error de creer que uno está en ese estado necesariamente para componer. La verdad es que uno debe fabricarse con imaginación los estados, porque es la única manera de tener variaciones, por más que uno esté claro que en un día uno pasa por muchos estados, alegría, euforia, tristeza. Yo trato de representar eso en el disco, en las canciones.


Como artista, compositor y productor ¿qué sientes al recibir buenas críticas de tus álbumes en solitario, al igual que reconocimientos en el mundo de la música?

Siempre es bueno que te piropeen, que uno sienta ese reconocimiento. Pero también lo tomo con pinza, porque una mala crítica puede ser muy mala si uno se lo toma tan apecho. No me creo demasiado ni una cosa ni la otra, pienso que no hay nadie más critico que yo mismo, no necesito que nadie me lo diga. Pero bueno, a veces sirve tener críticas, ya sean positivas o negativas. No importa, es bueno tenerla porque es una forma de encontrarse con la realidad, con otra opinión.


¿Cuales son tus influencias musicales, las que has plasmado, bien sea con Soda Stereo o ahora en estos últimos años en solitario?

Mi influencia es bastante contemporánea en lo que hago; soy una persona que le gusta escuchar música actual. Me gusta estar actualizado y no porque tenga un aspecto periodístico dentro de lo mío, sólo que siempre me ha gustado escuchar lo que se esta haciendo y me interesa saber hasta donde ha llegado mi música, aunque eso es relativo, hay cosas que funcionan y otras que no. Yo considero la música como un hecho dinámico, parte de la cultura del hombre, de la manera en que se expresa. Necesito ver que está ocurriendo en general. Este disco, por ejemplo, de una manera intentaba hacer algo bastante clásico, en cuanto a estructura, canciones. Me refiero a cosas clásicas como: Queen, Led Zepellin o Police, grupos que son muy clásicos y que se han convertido en eso con el tiempo. Yo creo que mi disco es sencillo y quería que fuera así.


En tu carrera en solitario has experimentado con la electrónica, ¿cómo incluye este elemento en tus canciones?

Con el tiempo he llegado a familiarizarme a trabajar de una manera muy similar, bien sea como puedo hacerlo con una guitarra, a hacerlo con una computadora o con otros instrumentos. De hecho, hay varias canciones que fueron construidas con una laptop. Así que es curioso como a veces uno se da cuenta que la creatividad pasa por un estado mucho más mental y emocional, que por la cuestión práctica de hacerlo con un instrumento o con otro. Es que todo está ceñido a la electrónica, porque si no la usarás como sonido, la usarás en lo que tiene que ver con la grabación o con la edición. La presencia de la electrónica es continua. En este disco pretendí que no fuera parte del paisaje esa es la diferencia.


Tu más reciente álbum “Ahí Vamos” alcanzó galardón de platino antes de salir al mercado, ¿puedes hablarnos un poco de esto? Tú como artista, como productor, ¿cómo te sentiste al enterarte que antes de ir al mercado ya estabas recibiendo este premio?

Por un lado, yo creo que ese merito es de uno en particular, ya que considero que este disco ha pegado más fuerte en la gente que otros de los que he hecho. Por otro lado, pienso que es el resultado de todo lo que venia haciendo. De alguna manera la expectativa de la gente se fue alimentando de todos mis discos anteriores, de shows y todo eso. Como que se consiguió el estado cosmogónico con mi creatividad, con lo que quise decir, eso es algo que uno no puede forzar. Uno está haciendo un disco fantástico pero si la gente no está dispuesta a recibirlo va a ser difícil que se sepa eso. Acá han ocurrido ambas cosas, más allá de las variaciones que yo tenga sobre el disco, pienso que la gente respondió porque estaba de alguna manera esperándolo.


Muchos consideran que en este material juegas o digamos que se nota más el sonido de la guitarra, ¿cuál es la diferencia de este disco y los anteriores, hablando específicamente de la guitarra?

A mi me parece que de “Bocanada”, donde la forma de trabajo fue más íntima, más de collage, de laboratorio, de usar el estudio como un instrumento, pasé a recuperar la idea del trabajo más en banda, ya más social y musical. “Siempre es Hoy” tiene un poco más de eso, aunque piense que es un disco mucho más disperso, tiene más elementos, mucha cantidad de temas y elementos de muchas cosas. “Ahí Vamos”, siguiendo esta tendencia, tiene un sonido más directo. Logré un disco más conciso, más concreto. Entonces pienso que es parte de una evolución, de un camino. Lo veo así, como una cosa demasiado aislada.


Quienes participan en este material?

En este disco hay 5 bateristas diferentes, hay coros. Pero básicamente los que tocamos en vivo son Fernando Samalea en batería, Richard Coleman en guitarra, Fernando Nalé en bajo y Leandro Fresco en teclados. Todo fueron con los que más trabajé a lo largo del disco.


¿Qué tal la experiencia de trabajar con el ingeniero de sonido venezolano Héctor Castillo, en la producción de “Ahí Vamos”?

La verdad, sinceramente y él lo sabe, es el ingeniero de sonido con quien mejor me he llevado y he sentido las mayores satisfacciones. Te digo sinceramente que me gustaría seguir trabajando con Héctor, porque nos entendemos de las mil maravillas. Tiene lo bueno de ambos mundos. Primero, el estar trabajando en las grandes ligas en New York y segundo que tiene el pasado de un músico de Latinoamérica y conoce bastante mi trayectoria. Entonces se unieron varias cosas, pero sobre todo su capacidad. Además, es un excelente músico, lo que nos lleva a trabajar increíblemente bien, más que un ingeniero de sonido, es un amigo.


¿Consideras que hay algún parecido entre el disco de Soda Stereo “Canción Animal” y tu álbum “Ahí Vamos”?

Quizás “Canción Animal” pueda representar el disco más rockero que hizo Soda Stereo, es un clásico del rock. Ahí te encuentras con temas como “En el séptimo día”, con una idea más rockera de mi carrera. En “Ahí Vamos” también hay algo de eso, así que podría ser como un cierto parecido. Pero la verdad es que pasaron 15 años entre una cosa y la otra.


¿Cómo ha sido la receptividad de la gira “Ahí Vamos”?

Como te he dicho, pienso que es el momento más arriba que he tenido hasta ahora como solista. He ido a México, Colombia, Argentina, Chile, Perú y acabo de venir de un gira por Europa. De hecho, era la primera que tocaba en Londres y fue muy exitoso, al igual que en España.


¿Podrías ampliarnos cómo fue esa experiencia en Londres?

Bueno fue un poco como tocar con las manos. Puedes imaginarte para un músico como yo, la música inglesa ha sido una gran influencia. Así que tocar en el lugar que ha sido el origen de tantas bandas, encima tocar en un lugar legendario con The Forum y además como plus que haya sido un éxito. Tuvimos mucha convocatoria, fue un buen negocio para la gente que lo hizo. Por otro lado, es la primera vez que pasa algo así con un músico argentino, la verdad que me siento muy bien con esto.


¿Qué fue lo más difícil con la producción de este nuevo disco?

Siempre para mi lo mas difícil, bueno no difícil, más bien molesto y poco creativo, tiene que ver con la misma computadora, el famoso cuello de la computadora. Es bastante insoportable el sistema. Todavía pienso que son máquinas bastante taradas y tontas. Pero en general ha sido un disco muy disfrutable, la presencia de Tweety González en la producción. Todo tuvo un clima muy bueno, creo que uno de los pocos que más he disfrutado hacer.

Descripción: El primer larga duración de los Paranoias se tituló como la respuesta a una pregunta, y ahora la segunda obra hace una interrogante: Hey, ¿dónde están Los Paranoias?, la mejor respuesta para saber que ha estado haciendo el trío caraqueño es escuchar los 14 temas que componen este LP.

La sencillez y la nostalgia siguen formando parte de las composiciones, sin embargo un ambiente más oscuro, más sucio, más incomprendido y más inesperado se crea al darle play a temas como: “De este lugar”, “Prescripción”, “Sunburst”, “A pedir cuentas”, que demuestran una influencia probable de bandas como Joy Division, Pixies, Blur, un sonido británico con aroma de bar barato y frío de calle trasladado a la capital venezolana con líricas sencillas, metafóricas, urbanas que intentan contar historias locales con términos globales.

Los Paranoias es una de las pocas bandas que saben tocar rock and roll con personalidad, logrando un sonido que admite públicamente la presencia Beatle, pero que respetando su grandeza, colorean con tonos reinventados los textos del popol vuh del rock and roll.

“Super historias” de forma poco atrevida fue lanzado como promocional, no representa la nueva propuesta del sonido y nivel compositivo que trae la banda, pero si es una tema que puede seguir abriendo puertas. “No lo vas a creer” es la primera verdadera sorpresa, tema estructurado de una forma muy creativa e inesperada, la vocalización no escapa de las normas de afinación y entonación pero sí lanza detalles que muestran otro Luis Irán.

A partir de temas como “Prescripción” comenzamos a asimilar los cambios en el sonido de la banda, “no hay nadie quien pueda” negar que el mundo se cae a pedazos, entre guerras y muerte pero según Los Paranoias siempre “Estas Tú”, preparando el trayecto para temas suaves pero oscuros, que confunden al oído entre melodías felices y tonos tristes como los que viven en “Algo”, “Esta hora puede ser” o “La Luna”, pero para no deprimirnos entre estos temas conseguimos “Solo quedas tu” una canción pop alegre y sincera, “Sunburst” un rock denso y sicodélico. En el disco hay de todo, sin embargo, hace falta un cambio de ambiente radical para contrastar algunos temas y separarlos en sonoridad.

Luego comenzamos “a pedir cuentas”, sintiendo un peso denso en la base de bajo y batería y unos agudos estridentes. El trabajo de composición no se siente sólo en el líder de guitarra y voz, en el bajo hay arreglos vistosos que generan esas frecuencias que no son captadas por el común denominador pero que le dan un valor agregado a las canciones; en el caso de la batería se siente que de forma espontánea se ha compuesto en ensayos y que los tiempos marcados y cambios no son producto de un estudio de grabación, sino de “rocanrolear” en los ensayos, esto hace que el disco sea perfectamente ejecutable en vivo, aún más con el 4to integrante, Kike de los Tomates Fritos, en la guitarra.

“La Ida, el flash y el escarabajo” inevitablementeproduce una interrogante: ¿Qué demonios pensaba el escritor de esta canción, cuando la hizo?. Pareciera que el disco comenzara de nuevo con el tema “Sobre mi” y termina inesperadamente con una balada densa como “Si no esta nunca saldrá” que se mezcla con riffs de “I got a feeling”, ruidos, experimentaciones, demostrando que la escuela Beatle no es del gancho pop mainstream, hay una filosofía intrínseca sobre como ver al mundo y sus sonidos.

A Favor: El primer larga duración fue una meta cometida como banda, y recauda el trabajo musical desde sus comienzos pegando un grito para decir “Aquí están los Paranoias”.

Este segundo trabajo fue ideado como un completo long play, demuestra que manteniendo un equilibrio perfecto entre la música pensada y el feeling, se puede ahorrar décadas de tiempo pero ganarlas en madurez.

“¿Hey donde están los Paranoias?” no deja agujeros o momentos vacíos, pareciera que de una forma natural se cumplió el objetivo del plan maestro.

En Contra: La lírica metafórica de poesía, puede interpretarse de diferentes formas, cuando el artista desea que esto ocurra ha dado en el clavo, pero en muchos casos en el rock and roll hace falta ser un poco mas literal y directo, las letras dejan cabos sueltos, que sólo prestando atención extra y conociendo muy a fondo la banda puede tenerse una idea real de lo que se dice. No hay que ser tan literal como Los Prisioneros, pero tampoco tan sutiles como Silvio Rodríguez.

Veredicto: Siguiendo el camino que han escogido, Los Paranoias están condenados al éxito, siempre y cuando no esperen que éxito equivalga a vender miles de discos, por que el mundo esta al revés, los Paranoias no.

Descripción: La banda liderada por Kele Okelele regresa para sorprendernos con un segundo álbum evidentemente alejado de su debut Silent Alarm. Nada de continuaciones, adiós a la diversión y las baterías veloces que revelaban su pasión por el postpunk. Bloc Party ha marcado su terreno con esta placa, un compendio de canciones nada digeribles y que advierte la promesa de su vocalista en reformar la nueva oleada del british rock que nada tiene que ver con Oasis, Coldplay o Travis.

La carga política se incrementa conscientemente y ataca directamente a quienes tienen las riendas del mundo. Hay críticas directas contra el racismo y la xenofobia ya que Inglaterra luego del 7/7 se ha vuelto más cuidadosa, los inmigrantes han sentido el cambio y cómo no incluir a quienes descendien de Nigerianos (Kele Okelele).

A weekend in the City sin embargo tiene momentos oscuros, intensos, optimistas, refleja parajes de un ciudad intensa y emotiva. Quizás como dicen las primeras líneas que abren el disco “Estoy tratando de ser heróico en una era de modernidad” (I am trying to be heroic, in an age of modernity) - podría ser la misión de esta banda en tiempos inestables, tensos, donde Bloc Party parece buscar un nuevo comienzo musical.

El disco fue producido por Jacknife Lee (U2, Editors, Snow Patrol, Kasabian).

A Favor: El cambio osado en la dirección musical tiene su premio. Su intro “Song For Clay”, similar al muy bien logrado Origin of Simetry de Muse, marcan el camino de este álbum.

Este trabajo es para sentarse a esbozar con placer, atendiendo la madurez de la banda. “Haunting Witches”, -dedicado a la paranoia existente luego de los atentados en Londres-, The Prayer – himno de estadio sobre una base dancefloor y palmas ochentonas de urgencia estimulante-, Uniform –introspectiva, reflexiva y con un arrebato discopunk con riffs sórdidos típicos de la banda-, aún mantienen esa carga musical energética, desfachatada y vertiginosa.

Matt Tong sigue demostrando su habilidad en la batería, aunque la velocidad haya sido sacrificada. Temas como “Sunday”, una de esas canciones para el “ratón” que, aún sumergido en los excesos del día anterior te parece celestial, con su coro: “Te amo en la mañana aunque aún tengas resaca”, se aprecian, aunque normalmente no provoca oír música después de la rumba, pero esta parece ideal.

Por ser un disco maduro como si arrancara desde “This Moder Love” (Silent Alarm), muy parecido al final de una película de Danny Boyle, así se percibe A Weekend in the City. Guitarras armoniosas de la mano de Russel Lissack, riffs urgentes, perforadores y creativos como la nostálgica y atormentada “Where is home”, una critica directa al racismo, dedicada al estudiante Christopher Alaneme asesinado a puñaladas por skinheads en el pueblo de Kent.

La línea del bajo se mantiene firme como su antecesor gracias a la integridad y serenidad de un Gordon Moakes capaz de aferrarse a la idea compositiva original tanto en el disco como en tarima, donde Bloc Party ha tenido sus criticas negativas.

En Contra: Si antes Bloc Party tuvo que vivir con la sombra de Franz Ferdinand o Gang Of Four, esta vez, su idea de canciones de estadios como “Kreuzberg”, “I still remember” o “SXRT”, le acercan a U2 tratando de convencer a la multitud de que la vida te enseña y que podemos cambiar la depresión mientras hacen su transición bajo la influencia de The Cure.

El debut de Bloc Party fue magistral, este disco es bueno, pero jamás como lo fue Silent Alarm, dos historias diferentes donde la banda va a tener que lidiar con esa doble personalidad juguetona, alegre, veloz vs la introspección, reflexión y el síndrome de madurez musical políticamente correcto.

Veredicto: Agudo, amargo, etéreo, oscuro y difícil de digerir, pero placentero cuando le agarras el pulso, así se presenta este Weekend in the City. Es un disco que intenta lidiar con el abuso de drogas, inmigración, las bombas en Londres, el racismo, el modo de vida Black British, la homosexualidad y la crítica a la subcultura juvenil acompañado del sexo casual.

Las guitarras se conservan bajo la necesidad de explicar historias londinenses y cosmopolitas en un marco sonoro alentado por samplers y letras meditabundas. Es una dirección menos complaciente cargada de la intención de germinar el talento compositivo de esta banda, que por supuesto lo tiene.

Tal como OidosSucios.Com había anunciado previamente, Gustavo Cerati estará de vuelta en Venezuela para dar un show el sábado 12 de mayo en el Fórum de Valencia. La información fue publicada hoy por el diario El Universal.

Evenpro, la empresa productora del show se encuentra negociando otra fecha para una presentación “intima” del rockero argentino en el Hard Rock Café de Caracas. De confirmarse, se trataría de un concierto exclusivo para 400 personas y con precios “un poco más elevados que los de los conciertos que se hicieron en el anfiteatro del Centro Sambil”, según publicó El Universal.

Las entradas para el show en Valencia se comenzarán a vender después de semana santa.

Una vez terminada su gira, Cerati planea darse unas vacaciones antes de retomar sus proyectos musicales.

Liderado por Julio Briceño, quien no sólo es el vocalista del proyecto, sino que hace las veces en la guitarra, programación, teclados y un par de bajos, nace Chulius &The Filarmónicos. Un proyecto musical que se tomó sus 2 años de trabajo relajado entre New York, Irlanda, Londres y Caracas, para ver la luz a través de Gozadera Records.

Más de una decena de canciones, todas en inglés, conforman, este disco, compuesto y producido por el propio Julio Briceño. “A mi me encanta lo que hacemos en Los Amigos Invisibles. Lo que pasa es que como artista hoy en día puedes hacer diferentes proyectos que le dan aire nuevo a las ideas”, dice Julio.

Por si existe alguna duda de si este proyecto significa que Los Amigos Invisibles no están bien, Julio Briceño contó con la ayuda de todos los miembros de esta banda de una u otra forma en el disco, además de colaboraciones de otros reconocidos músicos como Javier Weyler (Stereophonics, Claroscuro), los metales de Fauna Crepuscular y Rafael Cadavieco (Zapato 3), entre otros.

El Tracklist completo es el siguiente:

- Fishman
- Pumpin
- PumpinII
- Tarzan
- Wasted
- Shine
- Control
- 24.7
- Monkey See
- With u
- Todo
- Amalamar

Para celebrar que hace 40 años "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band"de The Beatles salió a luz pública, diversos grupos como Oasis, The Killers, Razorlight, James Morrison, The Fratellis, Travis y Kaiser Chiefs regrabarán entre todos este clásico de la mano de Geoff Emerick, el ingeniero de sonido encargado de la grabación del álbum original, que le valió un premio Grammy.

Además, esta nueva versión se grabará con los antiguos equipos analógicos que se conservan de los históricos estudios ingleses de Abbey Road, que The Beatles hicieron famosos.

Se espera que el disco sea difundido el 2 junio, coincidiendo con el aniversario del trabajo original.

Para esta grabación los organizadores esperan contar también con la banda irlandesa U2 y con Paul McCartney, quienes en el año 2005 tocaron en vivo el tema que le da nombre al disco en el concierto "Live 8".

En esta época no hay nada más difícil que encontrar un entretenimiento gratuito. Ir a un concierto, a comer helados con tu novia o a un juego de béisbol con tus amigos, supone gastar sumas estrambóticas de dinero. Ni siquiera ver televisión (televisión de verdad) en casa es gratis. Miren Uds. lo que cuesta al mes mantener el cable, y conste que soy de los que cree que la banda ancha es un artículo de primera necesidad en vista de que nos mantiene conectados con el mundo. Pero dejemos la digresión y volvamos a lo que nos ocupa, que es la imposibilidad de encontrar en esta época rara e intensa una manera de entretenernos que no cueste tanta plata.

Si queremos ir al cine, tenemos que soportar una cola para pagar las entradas que valen una fortuna; otra para comprar las cotufas que también producen la ruina de cualquier ser humano, y otra para entrar a la sala, donde nunca hay dos puestos contiguos, de manera que tú te tienes que sentar, por lo menos, a seis metros de tu novia… Y, claro, a esta relación de eventos fascinantes, habría que añadir la cola para salir del estacionamiento, cuyo precio está regulado por las autoridades competentes, lo cual no tiene la menor importancia luego de haber gastado tanto dinero en todo lo demás.

Quizás habría que definir mejor las cosas y tratar de verlas de otra manera para no amargarnos. Tal vez no debamos esperar que aquello que nos entretiene sea gratuito, pero sí que tenga un precio justo porque una vida sin tiempo libre, no vale mucho la pena. Nada peor que privarse del divertimento porque la imaginación y la alegría de vivir, se atrofian y se transforman en amargura. Hay gente seca que «vive» como zombi al no haber encontrado aquello que la entretiene, aquello que la saca de su realidad y la mete en otra más interesante. Por eso, aunque el dinero no abunde, hay que invertir en entretenerse.

Las mujeres, que siempre han sido expertas en el arte de hacer rendir el dinero, han inventado varias fórmulas para divertirse sin gastar demasiado. Vean Uds. que no hay nada más entretenido para una dama que ir a la peluquería y enterarse de la vida de su peluquera, de la muchacha que le hace las uñas o de la señora cuyo peinado parece un casco. Una peluquería es un universo con todo y sus sistemas solares, sus agujeros negros, sus super novas (hay señoras que parecen constelaciones), sus cometas y sus asteroides; por eso son tan entretenidas y por eso a las mujeres les gusta tanto la astrología…

En el mundo masculino no hay nada que siquiera se le acerque a la peluquería. Del bar, por lo general, los caballeros salimos viendo doble y más tristes que antes de haber entrado. Eso sin contar con que nos vamos con las alforjas vacías… Por eso quiero ofrecerles mi consejo a aquellos que no saben cómo acabar con el aburrimiento que los corroe y que se suma a la montaña de responsabilidades que tiene todo hombre que se respete.

Lean bien: si no hallan qué hacer con sus vidas, hagan como mi amigo Joaquín Ortega y métanse en un supermercado a escoger tomates; obsérvenlos, pálpenlos y cuando hayan guardado los mejores en una bolsa, déjenlos ahí, no importa. Lo que de verdad interesa es que Ud. haya pasado un rato pensando sólo en los tomates y no en sus problemas. También puede meterse en un autolavado de ésos donde hay una máquina automática en el que te permiten permanecer dentro del carro mientras lo están lavando… Cuando estés ahí dentro, observa los dibujos que forma la espuma del jabón en los vidrios, oye el ruido de los chorros de agua que golpean la carrocería de tu automóvil… ¿No son una belleza?

Si esos consejos no son de tu agrado, puedes irte a una tienda de animales a ver las peceras… También puedes invitar a tu novia al cine, pero ya sabes lo que te espera.